Programas
de edición de video
En fotografía, igual que en
cine, se habla del plano cuando se quiere expresar la proporción que tiene el
tema dentro del encuadre, los cuales en gran medida nos indican que porción de
la imagen debe aparecer en la toma y cuáles son los mejores cortes que se
pueden realizar sin que se descuide la proporción adecuada y que la misma
conserve la estética de la imagen.
Plano General
En retrato,
éste es el plano en el que aparece todo el cuerpo. Por tanto, tendremos un
plano entero si a quien o quienes estamos fotografiando aparecen completos,
desde los pies a la cabeza, sin secciones, en nuestra foto.
En el caso
de la foto que hemos utilizado para el ejemplo, se aprecia cómo se ve el cuerpo
de la modelo completo, sin ningún tipo de recorte.Este es el plano más lejano que podemos tomar. A partir de aquí, veremos como nos podemos acercar en nuestros retratos
Plano Americano/Tres Cuartos
Dicen que el
nombre de plano americano viene de los tiempos en los que triunfaban las
películas del género Western o, como las llamaba yo de pequeño, de indios y
vaqueros. En estas películas era importante que las ármas que llevaban los
protagonistas en las cartucheras, a la cintura un poco caídas, se vieran
suficientemente bien, y esto es lo que marcaba la línea de corte.
Algunos lo
llaman también plano tres cuartos.
El plano
americano corta al protagonista aproximadamente a la altura de la rodilla o por
el muslo. En función de si el protagonista está recostado o sentado, la
tolerancia baja algo, llegando hasta un poco por debajo de las rodillas.
Es ideal
para encuadrar en la fotografía a varias personas interactuando.Plano Medio
El plano
medio cubre hasta la cintura, recogiendo la línea de corte entre el ombligo
hasta casi la entrepierna. En caso de estar sentado el protagonista, la
tolerancia baja hasta aproximadamente la mitad del muslo.
Este tipo de
encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, por lo
que es un tipo de plano muy utilizado en fotografía de moda.
También es
adecuado para mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las
entrevistas.
Plano Medio Corto
El plano
medio corto, también conocido como plano de busto o primer plano
mayor, recoge el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho.
Este plano
nos permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un recuadro,
descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.Primer Plano
El Primer
plano, también llamado primer plano menor o de retrato, recoge el rostro
y los hombros.
Este tipo de
plano, al igual que el plano detalle y el primerísimo primer plano que veremos
a continuación, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para
mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje
Primerísimo Primer Plano
Con este
tipo de encuadre, el primerisimo primer plano consigue también dotar de gran
significado a la imagen.
Plano detalle
El Plano
detalle en el retrato recoge una pequeña parte del cuerpo, que no
necesariamente se tiene por qué corresponder con el rostro.
En esta
parte se concentra la máxima capacidad expresiva, y los gestos se intensifican
por la distancia mínima que existe entre la cámara y el protagonista,
permitiendo enfatizar el detalle que deseamos resaltar.
Los movimientos de cámara son otros de los elementos que
hacen al cine. Hay muchísimas formas de mover la cámara y así seguir la acción
que queremos mostrar u ocultar.
En las primeras películas del cine, los movimientos de cámara eran casi inexistentes. Casi siempre la cámara era como un espectador en una obra de teatro. Todos los movimientos los hacían los actores frente a la cámara. Los equipos eran muy difíciles de transportar. Es decir, eran sólo planos fijos.
Al tiempo que los equipamientos se fueron haciendo más fáciles de manejar y transportar, enseguida se empezaron a usar los movimientos de cámara como un recurso más de narración. Con los movimientos de cámara se empezó a escribir otra área del lenguaje audiovisual. Los espectadores de esta época es muy difícil que podamos sentir adrenalina en una persecución de autos filmada sólo con cámara fija.
Existen diferentes tipos de movimientos que, al mismo tiempo, tienen diferentes variantes:
1) Panorámica: Es la rotación de la cámara sobre su propio eje (horizontal, vertical o diagonal). Las panorámicas se suelen hacer apoyada la cámara sobre la cabeza del trípode pero en ocasiones se ven algunas hechas a mano, mucho más inestables. Éstas pueden ser descriptivas (una panorámica sobre un espacio o personaje); de acompañamiento (siguiendo a un elemento en movimiento); o de relación (asociando a más de un personaje). La panorámica realizada tan rápida como para emborronar la imagen se denomina barrido y se utiliza como recurso estilístico.
Los movimientos panorámicos pueden describir un lugar estático o seguir a un personaje en su trayectoria. También puede poner en relación los elementos del campo. Su función principal es relacionar a elementos dentro del cuadro. También pone en relación los elementos que hay en el campo y fuera del campo inmediato.
Estos movimientos siempre deben partir de un encuadre fijo y terminar en otro encuadre fijo, para conseguir así 3 planos y facilitar la tarea del montaje: encuadre inicial, encuadre final y Panorámica.
Para hacer una Panorámica la posición más cómoda para el operador se ha de obtener al final. Normalmente no suelen o no deberían exceder de 150º.
Cuando se hacen varias Panorámicas seguidas, sería conveniente conservar el sentido de la dirección. Será más fluido si es de izquierda a derecha y no a la inversa.
Las Panorámicas son difíciles de ejecutar si muestran espacios nuevos, ya que nos podemos encontrar con problemas de luz, de foco (la distancia de las personas y objetos varía) y de contraluz. Si vamos a hacer una panorámica, tiene que estar muy planificada y ensayada. Un maestro en este tipo de tomas se puede ver en las películas de Kurosawa.
Diferentes tipos de panorámicas:
En las primeras películas del cine, los movimientos de cámara eran casi inexistentes. Casi siempre la cámara era como un espectador en una obra de teatro. Todos los movimientos los hacían los actores frente a la cámara. Los equipos eran muy difíciles de transportar. Es decir, eran sólo planos fijos.
Al tiempo que los equipamientos se fueron haciendo más fáciles de manejar y transportar, enseguida se empezaron a usar los movimientos de cámara como un recurso más de narración. Con los movimientos de cámara se empezó a escribir otra área del lenguaje audiovisual. Los espectadores de esta época es muy difícil que podamos sentir adrenalina en una persecución de autos filmada sólo con cámara fija.
Existen diferentes tipos de movimientos que, al mismo tiempo, tienen diferentes variantes:
1) Panorámica: Es la rotación de la cámara sobre su propio eje (horizontal, vertical o diagonal). Las panorámicas se suelen hacer apoyada la cámara sobre la cabeza del trípode pero en ocasiones se ven algunas hechas a mano, mucho más inestables. Éstas pueden ser descriptivas (una panorámica sobre un espacio o personaje); de acompañamiento (siguiendo a un elemento en movimiento); o de relación (asociando a más de un personaje). La panorámica realizada tan rápida como para emborronar la imagen se denomina barrido y se utiliza como recurso estilístico.
Los movimientos panorámicos pueden describir un lugar estático o seguir a un personaje en su trayectoria. También puede poner en relación los elementos del campo. Su función principal es relacionar a elementos dentro del cuadro. También pone en relación los elementos que hay en el campo y fuera del campo inmediato.
Estos movimientos siempre deben partir de un encuadre fijo y terminar en otro encuadre fijo, para conseguir así 3 planos y facilitar la tarea del montaje: encuadre inicial, encuadre final y Panorámica.
Para hacer una Panorámica la posición más cómoda para el operador se ha de obtener al final. Normalmente no suelen o no deberían exceder de 150º.
Cuando se hacen varias Panorámicas seguidas, sería conveniente conservar el sentido de la dirección. Será más fluido si es de izquierda a derecha y no a la inversa.
Las Panorámicas son difíciles de ejecutar si muestran espacios nuevos, ya que nos podemos encontrar con problemas de luz, de foco (la distancia de las personas y objetos varía) y de contraluz. Si vamos a hacer una panorámica, tiene que estar muy planificada y ensayada. Un maestro en este tipo de tomas se puede ver en las películas de Kurosawa.
Diferentes tipos de panorámicas:
- a) Panorámica
horizontal: Es la rotación de la cámara de izquierda a derecha y
viceversa.
- b) Panorámica
vertical: De arriba a abajo o de abajo a arriba. Se le llama también Tilt.
- c) Panorámica
oblicua: Movimiento en diagonal de la cámara, tanto en un sentido como en
otro. El cabezal del trípode no ha de estar nivelado.
- d) Panorámica
circular: 360º de giro.
- e) Barrido: Es una Panorámica tan rápida que no tenemos tiempo a ver con nitidez las imágenes que se recogen. Son unas líneas de fuga que aparecen ante la cámara. Se usa sobre todo como transición: mareo, recuerdo, intercambio de miradas, para mostrar acciones paralelas
2) Travelling: Movimiento la cámara en un espacio
tridimensional. Consiste en el desplazamiento de la cámara, horizontal o
vertical (o combinación de ambos), respecto al eje del trípode que la soporta.
Se usa sobre todo para situaciones en que se necesita un acercamiento o alejamiento
al motivo. La cámara se desplaza en relación al escenario; se realizan
colocando la cámara en unos rieles para facilitar su movimiento.
Estos movimientos pueden ser de
avance, de retroceso o de acompañamiento. Los travellings hacen más dinámicas
las tomas porque varían la perspectiva con el movimiento de la cámara. Algunos
dicen que es el movimiento más hermoso. Jean Luc Godard afirmaba que eran
"una cuestión de moral". Hay Travellings de:
- a) Acompañamiento:
Para realizar un acompañamiento de un personaje. No variará el encuadre.
- b) Aproximación:
Para acercarnos a un personaje sin desenfocar el fondo.
- c) Alejamiento:
Para alejarnos de un personaje sin desenfocar el fondo.
- d) Circular:
Describe 360º alrededor del motivo.
- e) Horizontal: La
cámara describe un movimiento horizontal respecto al objeto.
- f) Vertical: La
cámara describe un movimiento vertical respecto al objeto.
- g) Oblicuo: La
cámara describe un movimiento oblicuo respecto al objeto.
- h) Travelling Zoom: Se aleja el fondo, no el personaje. Se hace un travelling contrarrestado con un zoom. Depende de la profundidad del campo, el fondo estará más o menos enfocado.
3) Zoom: También llamado Travelling óptico. El Zoom siempre
ha de utilizarse como una herramienta para el encuadre previo a la grabación.
Debería permitirnos encuadrar y re encuadrar. El punto de vista o perspectiva
de la cámara no cambia, únicamente lo hacen las dimensiones de la escena en el
interior del cuadro gracias a los objetivos de focal variable. Un zoom nunca
cumple la función de un travelling. Su impresión óptica es diferente y por ello
transmite valores distintos. Su uso reiterativo conlleva un modelo de narración
efectista muy habitual en el cine de los años 60 y principios de los 70.
- a) Zoom in: El Zoom
de acercamiento cierra el ángulo de lente, reduce el ángulo de visión y
aumenta el tamaño de la imagen (del motivo). Disminuye la profundidad de
campo, desenfoca el fondo y acerca el fondo al primer término (al sujeto,
al motivo... mezcla la persona con el fondo).
- b) Zoom out: El
Zoom de alejamiento abre el ángulo de lente, amplia el ángulo de visión y
disminuye el tamaño de la imagen (del motivo). Amplia la profundidad de
campo, no desenfoca el fondo y aleja el fondo del primer término (al
sujeto, al motivo... no mezcla la persona con el fondo).
4) El steadycam es un movimiento libre de la cámara. Se
consigue con un sistema de suspensión y absorción del movimiento que permite al
operador realizar tomas de seguimiento en situaciones imposibles para un
travelling; por ejemplo, subiendo una escalera o a través de los árboles de un
bosque.
5) Cabeza caliente es un movimiento en varios ejes de la
cabeza de la cámara permitiendo cualquier tipo de seguimiento y movimiento a
diferentes alturas. Extraordinariamente espectacular es muy utilizado en los
programas de televisión más llamativos, en la publicidad y en los videos
musicales. En los últimos tiempos, su traslado a la narrativa cinematográfica,
junto a la steadycam, ha conllevado un pleno significado de la definición "cámara
desencadenada". Permite todos los puntos de vista imaginables en
continuidad.
6) La simple y común cámara en mano como un movimiento
inicialmente asociado al punto de vista subjetivo al transmitirse a la imagen
y, por consiguiente, al espectador las vibraciones del operador a la cámara;
sin embargo, últimamente se ha enriquecido el significado del movimiento de
cámara asociándolo a una sensación realista por su herencia del reportaje
televisivo y a los efectos violentos o de tensión (por ejemplo persecuciones en
el cine de terror).
7) La Grúa hace referencia a un movimiento amplio ascendente o descendente para situar la cámara a grandes alturas como por ejemplo en la dramática secuencia de los heridos postrados en la estación de tren del film Lo que el viento se llevó (1939); y la pluma: como movimiento corto ascendente o descendente para equilibrar el cuadro al variar la altura de los elementos. Ambos movimientos son considerados por muchos como travellings verticales.
7) La Grúa hace referencia a un movimiento amplio ascendente o descendente para situar la cámara a grandes alturas como por ejemplo en la dramática secuencia de los heridos postrados en la estación de tren del film Lo que el viento se llevó (1939); y la pluma: como movimiento corto ascendente o descendente para equilibrar el cuadro al variar la altura de los elementos. Ambos movimientos son considerados por muchos como travellings verticales.
Audio en la cinematografía, reinventando el cine.
Hoy en día el cine es
sinónimo de espectaculares efectos especiales, animaciones hiperrealistas por
computadora, producciones millonarias y elencos de estrellas internacionales,
pero lo que alguna vez fueron sencillos montajes itinerantes que mostraban historias
simples a audiencias pequeñas, se convertiría en una de las industrias más
poderosas del mundo contemporáneo gracias al audio.
Si bien la cinematografía ya
tenía una aceptación bastante amplia dentro de la sociedad de inicio del siglo
XX, este arte presentaba una principal dificultad para su presentación: los
sonidos. Prácticamente todos los filmes antes de 1927 eran silentes, en
cada exhibición se utilizaban recursos como algún instrumentista
(principalmente pianistas o guitarristas locales) un narrador con algunos
“efectos” en mano (como la utilización de elementos metálicos siendo golpeados
entre sí, para representar conflictos en pantalla) o cuadros escritos entre
escenas que describían lo que ocurría e inclusive se utilizaba poesía para relatar
el sentir de los personajes.
La intención de incluir sonidos en filmes venía
desde mucho antes de su desarrollo a finales de los 20’s, donde científicos
como Thomas Alva Edison, intentaron desarrollar tecnología para mostrar las
cintas acompañadas de grabaciones de audio, sin poder lograrlo exitosamente,
pues la tecnología aún era muy rudimentaria y era muy difícil la amplificación
del audio así como su sincronización con lo que se mostraba en pantalla.
Gracias a los esfuerzos de distintas compañías para
desarrollar esta tecnología fue que la industria fílmica tuvo un crecimiento
exponencial tecnológico y pudo formalizar sus métodos de creación.
A pesar de que se tienen registros de cortos que se
habían musicalizado con grabaciones y de otras obras que habían optado por
utilizar estas nuevas formas, fue “The Jazz Singer”, la película que atrajo
interés por este nuevo método a las casas productoras y el público que se
mostraba escéptico sobre el nuevo cine que habría de venir.
Esta película basada en la
obra que se presentaba en Broadway desde años antes, utilizaba el sistema
“Vitaphone” que por medio de grabaciones en discos que se reproducían en
sincronía con el carrete de la cinta fílmica, lograba musicalizar e incluir
diálogos en los filmes. La obra dirigida por Alan Crosland, estrenada el 6 de
octubre de 1927, habría de reinventar la forma en que el cine seria visto por
el resto de su historia.
Ya para la década de los 30’s el cine sonoro era un
fenómeno global, catapultando a la industria norteamericana de este arte hacia
el dominio global y llevando a un país como India a convertirse en el estado
que más películas produce anualmente en el mundo desde 1960.
Walt Disney puede ser considerado como el padre del
sonido envolvente en las salas de cine o “Surround”. Durante las pláticas con
el compositor Leopold Stokowski, quien habría de realizar la música para el
filme “Fantasía” de 1941, propuso que el sonido de las abejas durante una
escena, no sólo se escuchara de forma frontal sino que los asistentes pudieran
notar que el origen del sonido viniera de diferentes puntos, tal como el vuelo
errático de una abeja.
Durante las siguientes dos
décadas el sonido “surround” fue prácticamente ignorado, esto fue por
cuestiones económicas ya que a pesar de que el sistema era muy bueno y había
reinventado la forma de ver cine era muy costoso, y no fue hasta la década de
los 70 que Ray Dolby
invento una forma más efectiva y barata (cambiando las cintas magnéticas por la
lectura óptica en cintas) para reproducir los sonidos en distintos canales y
con una magnifica reducción en el ruido de origen.
En
1977 la aclamada cinta de ciencia ficción dirigida por George
Lucas, STAR WARS,
revolucionó al mundo entero con la utilización de este sistema, haciendo
énfasis en cada uno de los efectos de sonido que se grabaron para la cinta sin
importar lo pequeño que fuera.
El
éxito inmediato que tuvo la ficción intergaláctica de Lucas, llevó a que las
salas de todo el mundo compraran mejores sistemas de audio para la proyección
de cintas, llevando al propio Lucas a fundar una de las empresas de audio en
cine que hoy en día siguen cosechando éxitos: THX.
Hoy
en día este par de empresas llevan la pauta en tecnología de sistemas de audio
para la industria cinematográfica. La cinta de Steven
Spielberg, “Parque Jurásico” estrenada en 1993, fue la primer
película en estrenarse con audio en formato digital. Seis años después con el
estreno de la nueva trilogía hecha para la opera intergaláctica de George Lucas
“Star Wars: Episodio I, La amenaza fantasma”, el audio digital para cine se
reinventó al utilizar 6.1 canales para su proyección en salas comerciales.
Sin
duda el sonido fue el factor que hizo reinventarse cíclicamente a la industria
cinematográfica hasta llegar a conocer ese mundo como lo conocemos hoy.
Programas de edición
Adobe Premier. Es una aplicación en forma de estudio destinado a la edición de vídeo en tiempo real
Hace poco tiempo salió a la venta la nueva versión de Adobe Premiere Pro, Adobe Premiere Pro CS5. Este editor de video profesional es bastante amigable, si el equipo cuenta con ciertas características en el sistema (mínimo 2 GB de memoria RAM, 80 GB de disco duro, 512 MB de memoria en tarjeta gráfica). Hay que tener en cuenta que el video es muy complejo, así que se necesita bastante espacio para almacenar todo lo que se capture para la edición, y también se necesita que la computadora cuente con una tarjeta de video para que pueda mostrar con fluidez la previsualización y todo se pueda reproducir sin cortes ni ralentizaciones.
Adobe Premiere Pro es usado por la iniciativa de cursos online de la Universidad de Harvard y el MIT, edX para la edición de los videos incluidos en las diversas acciones de formación.
Adobe AfterEffects
Adobe After Effects es una aplicación en forma de estudio destinado para la creación o aplicación en una composición, así como realización de gráficos profesionales en movimiento (en 2D y, a medida que el software se va actualizando, también en 3D), de montaje de vídeo y de efectos especiales audiovisuales, que desde sus raíces han consistido básicamente en la superposición de capas. Adobe After Effects es uno los softwares basado en Linea de tiempo más potentes del mercado junto con Autodesk Combustion y Eyeon Fusion.
Una de las principales fortalezas del programa es que existen una gran cantidad de plugins desarrollados por otras compañías que ayudan a aligerar las cargas de trabajo continuo y repetitivo en lo que a aplicación de efectos se refiere. A partir de las versiones 6.5 y 7 mejora su capacidad para manejar archivos de gráficos y vídeo de distintos formatos. Por otro lado, su interfaz resulta familiar a muchos editores dedicados a la post-producción, lo que lo convierte en la elección ideal para la mayoría de profesionales.
Adobe Audition
